Semana del Orgullo LGTB: 11 películas imprescindibles

28 de junio, esa fecha es clave para la lucha del colectivo de lesbianas, gais, bisexuales y transexuales, abreviadamente LGBT. Ese mismo día, en 1969, ocurrieron los Disturbios de Stonewall (Nueva York). Catalogados como manifestaciones espontáneas violentas que surgieron en el pub Stonewall, convirtiéndose en la primera protesta a favor de los derechos LGBT en todo el mundo. Fue el inicio de una lucha a favor de derechos sociales y valores humanos.

Más allá de fiestas y alegría, el Día del Orgullo LGBT es un momento para recordar un camino que ha ido hacia delante en el reconocimiento de derechos, deberes y aceptación (este año con el fallo del tribunal estadounidense que reconoce el derecho al matrimonio en los 50 estados del país). Queda mucho por hacer todavía, especialmente más allá del mundo occidental.

El cine ha sido testigo de ese proceso. El mundo artístico ha sido baluarte en la apertura de la identidad sexual y el género. Sin embargo, ha sido visto como un mundo apartado de los cánones sociales. El séptimo arte no ha sido una excepción.

Desde el cine de las insinuaciones (‘La gata sobre el tejado de zinc’, ‘La soga’) al cine más activista (‘Mi nombre es Harvey Milk’, ‘El crimen de Laramie’), desde el políticamente correcto venido de Estados Unidos al vanguardista europeo, destacamos once películas imprescindibles con temática LGBT. Quizás no estén todas las que son, pero sí son todas las que están.

LA CALUMNIA (WILLIAM WYLER, 1961)

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Aún en la época dorada de Hollywood, esta cinta representa la osadía sutil de mostrar la homosexualidad femenina en una época de invisibilidad completa. “¿Puede ser arruinado lo hermoso por un rumor infame?” reza como subtítulo de promoción de la película.

Con dos grandes de la meca del cine, Audrey Hepburn y Shirley MacLaine, además de ser una obra maestra, representa fehacientemente el rechazo de la época al amor entre dos mujeres, con el sólo hecho de ser un mero rumor se pueden ver las fatales consecuencias y la marginación a la que se le puede condenar a ambas. Atrevida, por enseñar una realidad que es más invisible, incluso, que la de los varones.

TEOREMA (PIER PAOLO PASOLINI, 1968)

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Una cinta que utiliza de metáfora la sexualidad para abordar cómo se desarrolla una familia burguesa italiana en los años 50 y 60, en plena época del desarrollismo en Italia. Un largometraje que expone de forma surrealista las principales tesis del director, escritor, poeta y dramaturgo Pier Paolo Pasolini, una mente brillante y especialmente incómoda para la época. Famosa es su trilogía de la vida (‘El decamerón’, ‘Los cuentos de Canterbury’ y ‘Las mil y una noches’), su última obra, ‘Saló o los 120 días de Sodoma’, provocó un verdadero escándalo y se cree que fue una de las causas que lo llevó a la muerte.

MUERTE EN VENECIA (LUCHINO VISCONTI, 1971)

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Visconti, uno de los grandes maestros del cine italiano, adaptó la novela homónimo de Thomas Mann. Un atrevimiento propio de este gran realizador. Un canto del cisne a la belleza perfecta, aquella que idealizó Platón en ‘El banquete’. Una de las cintas que tiene las imágenes más hermosas del séptimo arte. Una obra que va más allá de las etiquetas. El deseo reprimido, el anhelo de la juventud. Una pieza maestra.

LAS AMARGAS LÁGRIMAS DE PETRA VON KANT (RAINER WERNER FASSBINDER, 1972)

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Fassbinder, icono del nuevo cine alemán, era uno de los máximos críticos de la tiranía de la burguesía frente al proletariado. Su obra tiene como metáfora esa constante relación tormentosa entre ambas partes. Propio de la época, la sexualidad sería un exponente en esta discusión. En 1974 lo expondría bajo una relación sentimental entre hombres (‘La ley del más fuerte’) pero fue en 1972 donde mejor lo mostraría con ‘Las amargas lágrimas de Petra von Kant’, una de sus películas más emblemáticas.

LA LEY DEL DESEO (PEDRO ALMODÓVAR, 1987)

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En esta lista no podía faltar uno de los cineastas españoles más reconocidos del mundo, Pedro Almodóvar en ‘La ley del deseo’ muestra pinceladas de lo que sería más tarde ‘La mala educación’. Sin embargo, este filme de 1987 resulta más directo y salvaje que la de 2004. Una cinta sobre amores no correspondidos y dependencias sentimentales tóxicas. Una obra contemporánea que rezuma tragedia por sus poros.

PHILADELPHIA (JONATHAN DEMME, 1993)

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Philadelphia’ representa cómo Hollywood dignificó a las víctimas del sida en una época en la que todavía faltaba información y el estigma era mucho mayor para las personas seropositivas. Cierto es que no es una película de vanguardia ni realmente incómoda, su protagonista es un arquetipo de varón sin amaneramientos ni clichés negativos, toda un lavado de imagen para mostrar una realidad que en esa época estaba marginada. Cinta correcta pero necesaria, especialmente por el año en que rodó. Le valió a Tom Hanks su primer Oscar y significó el primer papel de un homosexual reconocido por la Academia de Hollywood.

HAPPY TOGETHER (WONG KAR-WAI, 1997)

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Antes de traer esa obra maestra llamada ‘Deseando amar’ y la aclamada ‘2046’, el cineasta hongkonés Wong War-Kai estrenaría ‘Happy Together’, una historia de amor tormentosa, que dura cual herida profunda. Un relato de amores imposibles, accidentados y no correspondidos. Una intensa trama, que se adentra en las relaciones sentimentales entre varones.

BOYS DON’T CRY (KIMBERLY PEIRCE, 1999)

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Basada en hechos reales, es una de las primeras películas en Estados Unidos en mostrar abiertamente la transexualidad masculina. Una obra que denuncia los crímenes de odio que ha sufrido el colectivo LGBT en los últimos años. El filme muestra la vida de Brandon Teena, un chico transexual que fue violado y asesinado en Nebraska en diciembre de 1993, cuando se descubrió que tenía genitales femeninos. Una película dura e impactante que le supuso a Hilary Swank su primer Oscar.

GOTAS DE AGUA SOBRE PIEDRAS CALIENTES (FRANÇOIS OZON, 2000)

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No podía faltar, tampoco, en estas once destacadas una cinta del enfant terrible François Ozon. Aclamado por la crítica por cintas como ‘8 mujeres’, ‘En la casa’ o ‘Una nueva amiga’, es Gotas de agua sobre piedras calientes’ una fusión entre la picardía del burgués bohemio que es Ozon con lo atrevido e incómodo que era el ya nombrado R. W. Fassbinder. Basada en una obra de teatro del ya citado realizador alemán, este largometraje es uno de los que mejor exponen la obra del realizador francés en sus primeras épocas, en la que incomodaba y asustaba más a la frágil moral burguesa francesa.

LA VIDA DE ADÈLE (ABDELLATIF KECHICHE, 2013)

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La flamante ganadora de la Palma de Oro en el 66 Festival de Cannes es un torrente excesivo de sentimiento y realidad, pero también una de las obras más logradas del realizador tunecino. Un largometraje que le exige asertividad al espectador, difícil entrar pero, una vez conectado con la protagonista, se convierte en una intensa experiencia sobre los ciclos de la vida, el paso de la adolescencia a la madurez de la primera juventud. Excesiva, pero magnética.

EL DESCONOCIDO DEL LAGO (ALAIN GUIRAUDIE, 2013)

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El 66 Festival de Cannes reunió a dos importantes películas del género, la primera fue la ya nombrada ‘La vida de Adèle’ y la segunda fue ‘El desconocido del lago’. Un espeluznante relato sobre los deseos prohibidos, aquello que se sabe que hace daño pero que, a sabiendas, se cae en esa peligrosa tentación. Una perversa fábula sobre uno de los submundos del colectivo gay, incómoda por su representación, hipnótica por su puesta en escena y su oscura moraleja.

Miguel Ángel Pizarro Da Costa

Periodista. Amante de la cultura y el arte en sus diversas áreas aunque el cine es una de mis grandes pasiones. El cine de animación es mi especialidad. Una buena película es como un buen vino, al principio gusta pero su calidad mejora con los años.

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